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Laurens Hammond tenia una empresa de instrumentos de precisión en Estados Unidos, creaban maquinaria para ser vendida a otras empresas, pero comenzaron una investigación referente a la amplificación de sonidos a través de los campos electromagnéticos y acabaron construyendo un instrumento musical que pasaría a la historia.

El órgano Hammond comenzó a fabricarse a mediados de los años treinta con la intención de que dicho instrumento pudiese usarse en las viviendas y no solo en iglesias, aunque tuvo que esperar veinticinco años para comenzar a ganarse la popularidad que tiene a día de hoy. Para comenzar, la empresa sabia bien que no bastaba con que la potencia de la amplificación fuese adecuada y la sonoridad precisa, quien requería de un órgano en esos años quería un mueble que aportase distinción a la sala donde se fuese a situar, por lo que Hammond cubrió el instrumento con maderas de calidad para no desentonar en las salas de estar de los hogares, iglesias o auditorios.

En la maquinaria interior, sorprendía la presencia por esos días de la amplificación dentro del mismo instrumento, todo radicaba en el motor que hacia girar una sección con dos campanas, el motor tenia dos velocidades que producían variaciones en el sonido, el "Lento-rápido" obtenía sonidos mas limpios, mientras que el "Tremolo-Coral" hacia reverberaciones, este sistema esta patentado por la empresa Leslie ya que tanto esta como Hammond nunca se asociaron pero se necesitaban la una a la otra

El modelo B3 nace en 1955 y consta de veinticinco pedales de bajos y dos teclados sobre la consola a dos alturas cada uno con cinco octavas completas mas una de graves, encima del bloque superior están las "drawbars" unas palancas de las que había que tirar que activaban unos engranajes de tono para obtener los armónicos en los diferentes sonidos que podía obtener el órgano. El instrumento ademas produce diversos timbres, efectos de percusión, diferentes tipos de chorus y vibrato, un sistema modificable para hacer ataques y decaemietos, etc...y todo ese etc se debe a la posibilidad que aportaban los viejos órganos de combinar efectos y crear sonidos totalmente impredecibles, el músico iba conociendo poco a poco las posibilidades que podía aportar y podía llegar a descubrir sonidos que nadie mas lograbat

Este modelo se convierte en el preferido de los músicos de jazz, blues y soul, mientras que comienza a hacer sus incursiones dentro del rock en los 60. Sus timbres y sustain permiten su uso para crear colchones muy adecuados en los estilos del momento, comienzan a surgir los pianos eléctricos pero el sonido es tan diferente como que realmente son dos instrumentos distintos y por tanto no hay competencia, después surgirían los sintetizadores tales como los Moog o Mellotron pero contaran con otro tipo de inconvenientes y virtudes que permitirán al artista elegir con que instrumento quedarse o incluso adquirir ambos y usarlos con distintos fines.

Hammond no se quedo estancado, creo variaciones de su modelo estrella, así como el C3 o el RT3 que incluía mas pedales para cubrir la función del bajista. Lamentablemente en 1978 la empresa cierra sus puertas y no sera hasta el 2002 cuando la empresa de instrumentos de precisión Suzuki adquiera el nombre y se dedique a reeditar lños modelos originales a partir del análisis concienzudo de antiguos modelos Hammond

MUSICOS QUE HAN POPULARIZADO ESTE MODELO: Jimmy Smith, Jimmy McGriff, Richard Wright (Pink Floyd), Keith Emerson (ELP), Rick Wakeman (Yes) Wild Bill Davis, Lou Bennet, Stevie Winwood

La Keytar o guitarra-teclado como la bautizamos aquí gracias a nuestro catetismo, no era mas que un instrumento buscado para que los teclistas pudiesen requerir su parcela de fama al desplazarse por un escenario

Si bien a finales de los 70 los grupos mastodonticos del rock sinfónico habían impuesto las texturas a base de un colchón tras otro de teclado, también había que mirar el gran peso de los sintetizadores de la época, para ello en la New Age emergente en la que importaba mucho la estética el teclista no quedaría bien parado si se le seguía enclaustrando tras montañas de teclados.

Yamaha se lanzo a la investigación de los teclados y sintetizadores ligeros y a Steve Masakowsi se le ocurrió un diseño en el que el teclado colgase del músico como lo hacían las guitarras, se tocasen las teclas con la mano derecha (generalmente poseerían un teclado de dos escalas en los mas pequeños a tres y media en los mas grandes) y se conservase el equilibrio por un saliente en pala cogido con la mano izquierda, en dicho saliente se situarían los controles de efectos que generalmente un teclado puede tener, así como el sustain, pitch bend,etc...Esa idea en cierto modo ya la habían tenido antes otros visionarios, por ejemplo el músico Edgar Winter ya como mínimo desde 1972 había colocado una correa a su teclado ARP2600, pero nadie le ha querido atribuir ese merito a el.

En 1980 Moog seria la primera marca en sacar al mercado una Keytar, el modelo “Moog Liberation” trataría de recrear los sonidos y calidad de una marca que se había impuesto en el mundo de los sintetizadores desde mediados de los 70.

Por su parte Yamaha aposto por el diseño de Masakowsi y saco al mercado el “SHS-10 Keytar” rápidamente acogida por músicos de renombre, de hecho el termino “Keytar” se empezó a popularizar a partir de aquí.

No tardaron en aparecer marcas al rededor de este nuevo negocio, no para hacer instrumentos en si, sino por que vieron en la tecnología del microchip aplicaciones musicales, muchas de dichas empresas recién formadas se desarrollarían y años después mejorarían las tarjetas sonido que a día de hoy tenemos en nuestros ordenadores.

Roland que llevaba unos años innovando en los sintetizadores (hasta sintetizando guitarras) presenta el modelo SH-101, quizás la mejor Keytar en cuanto a la forma de modular las frecuencias, sumado a un gran numero de diferentes sonidos que dejaba un tanto atrás a los modelos de sus competidores. A pesar de todo la guerra la gano Yamaha que durante años saco diversos modelos, mientras que Moog prefirió retirarse elegantemente y centrarse en sus teclados polifonicos habituales que tuvieron un resurgir en los primeros 80

La evolución fue ascendente en ventas para la keytar durante unos pocos años, el poptecnificado, la new age, incluso el heavy fueron los mercados donde mas se dejo ver, para después pasaría a ser un instrumento de mal gusto estético y la mayoría de los teclistas volverían a ubicarse en sus parcelas originales del escenario. En la actualidad se siguen produciendo Keytars, en mucha menor cantidad pero como es natural muchisimo mas avanzados, así es como los primeros años del Siglo XXI han sido dominados por el modelo AX-7 de Roland

Surge un personaje nuevo en esta historia, Vinson Williams, quien crea un nuevo instrumento y también la llama Keytar, crea un cuerpo al que le coloca cuerdas como si de una guitarra electrica se tratase, sobre ellas un teclado y si accionas una tecla de este mientras se pulsa una tecla se produce un trabajo como el del clavicordio (que mutea el resto de notas), William ha sacado al mercado el Keytar V-1 (con doce cuerdas y doce teclas) y el Keytar V-2 (con el doble de teclas y cuerdas respecto a su antecesor), aun es muy pronto como para conocer su impacto en el mundo de la música pero por el momento los músicos lo ven mas como un instrumento anecdotico o directamente relegado al uso infantil pos su similitud con el autoarpa.

MUSICOS QUE HAN POPULARIZADO ESTE INSTRUMENTO: Victoria Asher (Cobra Starship), Spyro Gira (Devo), Chick Corea, Herbie Hancock, Thomas Dolby, Jam Hammer, Geoffrey Downes (Asia, Buggles), Howard Jones

LA GUITARRA HAWAIANA

Hacia 1915 los Estados Unidos tuvieron de moda la cultura hawaiana, no fue de extrañar que el luthier Herman Weissenborn comenzase a construir en sus talleres de Los Ángeles replicas de las guitarras hawaianas con materiales traídos directamente desde allí (poco a poco el interés por dichas guitarras llegaría también a Europa). Rápidamente otras empresas se lanzaron al negocio, tales como Gibson, Martin o Konas.

Toda empresa tiene algún modelo que no cuaja, incluso las mas grandes, eso paso con Fender en los ochenta, viendo como otras empresas como Ibanez o Jackson se iban ganando un amplio sector de publico que buscaban instrumentos mas adecuados para estilos como el heavy por timbres y por estética

Así que en 1985 Fender decidió sacar a la carrera una guitarra con una estética que fuese tan rompedora en esos días, como lo había sido la Stratocaster en los cincuenta, con lo cual ese mismo año, así que ese mismo año Hill Schultz la diseña y se la entrega al director de marketing Dan Smith que presenta el modelo como la Fender Katana, que se asemeja en cierto modo a la Gibson Moderne pero claramente esta directamente copiada de la Jackson's Randy Rhoads

Su producción se llevo exclusivamente en Japón queriendo así vender la imagen de la emergente electrónica nipona que imperaba en esos días, aun así el público no respondió, la imagen de la empresa era la de un gigante encajonado en sus viejas formulas y nadie se fiaba de un cambio tan radical (mas tras sus continuos fracasos como la Performer (1985), Swinger (1969) o Maverick (1969)), para colmo de males Fender se salto uno de los principios básicos de los modelos Fender, que es atornillar el mástil al cuerpo, en este modelo se encolo, cosa que a pesar de dar imagen de que la empresa se volvía mas dinámica, la cosa no gusto al publico, se vio como un modelo barato, débil,

Su cuerpo de arce contenía dos pastillas Humbucker, dos potenciómetros, uno de volumen y otro de tono, selector de tres posiciones y entrada de Jack sobre el cuerpo, microafinadores en el puente con unidad de tremolo pivotante en el mismo, mástil de veintidós trastes, la cabeza del mástil estaba pintada, algo inusual en los modelos Fender

En 1986 se ceso la producción, por suerte existió el modelo Squier mucho mas barato y con mas limitaciones técnicas (una pastilla) que se ha llegado a reeditar en varias ocasiones

Eran los finales años 60 y primeros 70 cuando las guitarras de Oriente eran consideradas de baja calidad, fue entonces cuando Yamaha decidio cambiar ese concepto (que siempre digo no es una empresa de instrumentos musicales, ni de motos, lo es de “Instrumentos de precisión”), la empresa empezó a trabajar en diseños innovadores, al uso de maderas autóctonas de las zonas de construcción y tambien investigando con materiales sintéticos, estas experimentaciones fueron lentas y progresivas, primero tratando de satisfacer al comprador mas clásico (con lo cual los diseños no podían ser tan innovadores) y después al músico mas profesional (centrándose especialmente en el sonido y en diseños mas personalizados, pensemos que en los 80´s llegamos a un mercado oriental casi centrado en las superstratos de fibra de carbono y asas)

Pero detengámonos en los primeros años 70, cuando a Yojiroy Takabayashi se le encarga diseñar una guitarra insignia para la empresa, un modelo que pudiera gustar a los musicos de la época, pero que a su vez incluyese elementos modernistas (como todos los constructores en el mundo buscaban lograr lo que hizo Leo Fender), sumado a que debia buscarse una facilidad para tocar y ser versátil de sonido (en esa epoca era mezclar el sonido pastoso de la LesPaul con el timbre de las stratocasters) y el resultado fue que en 1973 sacan al mercado la Yamaha SG2000, un cuerpo de culo redondeado al estilo LesPaul y unos cuernos que recordaban a la SG de Gibson

El sonido era ideal para los músicos de heavy de la época, un sonido capaz de hacerse pastoso y a la vez agudo sumado a un agradable sustain, su éxito fue rápido aunque extraño, fue muy usado en los años 70, en los 80 se uso cada vez menos y a partir de entonces es raro ver a usuarios con este modelo, quizás es por que el mercado del heavy encontró nuevos modelos que mejoraban aun mas su sonido y estética, quizás q los progresivos eran muy fieles a los modelos clásicos o incluso que para músicos de pop pese a su versatilidad les parecía poco estética y pesada

El instrumento lo componían, un cuerpo que solía estar construido en tres bloques de caoba, arce y otra de caoba, dos Humbuckers (Alnico V), conexión de Jack sobre el cuerpo, conmutador de tres fases y cuatro potenciómetros (dos de volumen y dos de tono, al mas puro estilo Gibson), los colores iniciales que tuvo el instrumento fueron: rojo cereza sunburst, rojo cereza, sunburst, marrón tabaco y negra, a partir de 1982 se amplio la gama

Hacia finales de los 70 Gibson decide emprender acciones legales por el uso del termino “SG” y Yamaha opta por cambiar el nombre del modelo a SBG-2000 en todo el mundo, salvo en Japón que continuara siendo SG, una vez ya aparecido el modelo SBG le incorpora un control de tono “pull” que separa la circuiteria de las pastillas, convirtiendo las Humbuckers en simples

La Yamaha SG2000 se convierte en una guitarra que marca una etapa comercial y que abre nuevos mercados mundiales, se ubica en el tiempo en cuanto los costes de construcción en los en los 70 en los Estados Unidos conllevo a que las grandes firmas buscasen trasladarse a países donde fuese mas barata la fabricación y en esos años fue Japón el mayor beneficiario, después durante los años 80 tambien aumentaron los costes en este país y de nuevo se llevo a cabo un trasladó de empresas a otros países, siendo en esta ocasión el favorecido Corea, viéndose Yamaha con una caída considerable de ventas y aunque siguen construyendo guitarras el modelo SG2000 ceso su producción en 1988, años después la retomara

MUSICOS QUE HAN POPULARIZADO ESTE MODELO: Steve Rothery (Marillion), Cliff Goodwin

El bajo proviene de la guitarra eléctrica, no del contrabajo, pero trata de cubrir la función de este en las bandas, por lo cual, muchos usuarios quieren recuperar mas la forma de tocar clásica y recurren a los contrabajos eléctricos o buscan una tonalidad mas similar a la del contrabajo, el primer obstáculo que se encuentran dichas personas son los trastes del mástil, que frenan la acción del arrastre del dedo por el batidor apagando el sonido

En los finales 60 y primeros 70 algunos músicos optaron por arrancar los trastes de sus mástiles, con lo cual obtenían slides mucho mas agradables al oído, sonido calido y la libertad de obtener ahora tonos, semitonos, tercios de tono, cuartos, octavos, etc…

El problema de arrancar los trastes (normalmente con tenazas) es la posibilidad de dañar la madera, la correcta separación de los trastes debe realizarse aplicando calor sobre el traste (normalmente con un estañador) para que se funda la cola con la que se pegaron y después será mucho mas fácil de retirar con las tenazas, apartar de ahí suele lijarse el batidor y para que no queden los surcos donde antes se alojaban los trastes se suelen
rellenar o bien con masilla o finas laminas de madera, luego se suele barnizar con mucho cuidado, pero estos ya son detalles de luthereria que a mi se me escapan

Jaco Pastorius no fue el primero en hacer uso de un bajo destrasteado, pero si quien lo popularizo, a partir de 1970 Fender comienza a comercializar sus modelos fretless, con lo cual se podían comprar un instrumento con un mástil en perfectas condiciones sin trastes, eso si, ya fuese sin ningún tipo de referencia o bien con marcadores pintados de los trastes o de las
referencias a los trastes 3,5,7, etc…

MUSICOS QUE HAN POPULARIZADO ESTE MODELO: Rafael de la Vega Torre (Lone Star), Jaco Pastorius, Alphonso Jonson (Weather Report), Pino Palladino, Tony Levin, Jack Bruce (Cream)

Aunque Vox siempre será mas conocida como una empresa de fabricación de amplificadores si ha tenido también en su catalogo guitarras y bajos capaces de hacerse un hueco en la historia de estos instrumentos, al haber sabido competir con los grandes y siendo de las pocas empresas realmente competitivas de Gran Bretaña.

La compañía Jennings Organ Company, llevaba operativa desde la década de los cuarenta, en los cincuenta fabricaron un órgano eléctrico llamado Univox y después dado el creciente interés por la música popular en la sociedad decidieron dar el salto a construir otro tipo de instrumentos e incluso esos aparatos electrónicos llamados amplificadores, así la rebautizada Jenning Musical Instruments saca a la venta un pequeño amplificador llamado Vox
AC15 en 1958 al siguiente año duplico la potencia de sonido de este con el mítico Vox AC30.

Los grupos emergentes británicos adoptaron aquellos productos patrios, no por chovinismo sino por la gran calidad de estos, con lo
cual no era difícil ver a los Beatles, Stones y Yarbirds con este equipo sobre el escenario

No fue hasta principios de la década de los sesenta cuando la compañía ya constituida como Vox, se aventura en el mundo de las guitarras y los bajos y en poco tiempo las tiendas podrán mostrar los modelos Phantom (forma de ataúd), Apache o Teardrop (forma de lagrima), todas de gran influencia italiana y esto es debido a que Vox en un principio no las fabricaba, simplemente las distribuía con su nombre habiendo sido realizadas en Italia por la marca Eko, luego pasados los años, Vox construyo una fabrica en Gran Bretaña donde continuo la producción con los diseños italianos (los
cuerpos italianos eran sólidos y los británicos hollowbody). El éxito de estas guitarras se debió a que la marca tenia una gran variedad de precios e instrumentos con diferentes variantes: bajos de cuatro cuerdas, guitarras de seis y de doce, con golpeadores en palanca o no, cuerpos macizos o semihuecos.

La teardrop, pasara a la historia por ser una de las primeras guitarras de cuerpo reducido, tanto en su modelo de guitarra como en el de bajo, su cuerpo asemeja a una lágrima, mástiles de por lo menos veintiún trastes, tres controladores, dos de volumen y uno de tono, un selector de posición de pastilla de cinco posiciones en caso de guitarra y tres en los bajos, mas una pala de tamaño un tanto grotesco que en alguna ocasión se ha dicho que es para contrarrestar el peso del cuerpo.

Su timbre para nada es tan característico como los de una Rickenbacker, pero si es cierto que solían venir armados con selectores para modificar los sonidos dando lugar a sorprendentes modificaciones en un momento en que aun la música rock estaba tomando forma saliendo de los primeros años del rock´n´roll y adoptando el pop originario, sirviendo toda esta gama de efectos para ampliar la paleta estilística. La teardrop era chocante estéticamente, era el híbrido perfecto por comodidad entre las ya muy establecidas formas de los instrumentos americanos y de los imaginativos e incluso surrealistas europeos

Para colmo Vox da un nuevo giro de tuerca cuando experimenta
sacando adelante ese pedal que cambiaria la historia de la música llamada Wah-wah y después darse el batacazo con la Guitarorgan, una teardrop modificada con un sistema interno electrónico que la hacia sonar como un órgano eléctrico mezclado con guitarra.

Al final como gran éxito para Vox en su haber quedarían los amplificadores y la Teardrop sobreviviendo a los años y siendo la competencia directa de la empresa Burns que ganaría la guerra de las guitarras británicas pero no la de los amplificadores. La Teardrop nunca ha llegado a hacer sombra tampoco a las grandes como la Telecaster, LesPaul, Flying, etc…pero es indudable que su
presencia abrió los ojos a futuros diseños en busca de la comodidad y el reducido cuerpo para el intérprete

Desde finales de los sesenta la empresa paso por diferentes etapas de calidad y paso por momentos que por malas gestiones de los diferentes dueños llevaron a dejar la reputación de Vox por los suelos, por suerte la empresa fue comprada por Korg en 1992, gran compañía de sintetizadores y en primer lugar decidió invertir en componentes de calidad para volver a dar a los
amplificadores el renombre que tuvieron antaño, después, debido a las investigaciones que Vox había siempre desarrollado en electrónica le sirvió para llevar a cabo nuevos desarrollos tecnológicos como la amplificación con modeladores digitales, pero eso ya son palabras mayores…

MUSICOS QUE HAN POPULARIZADO ESTE MODELO: Brian Jones
(Rolling Stones), Milton Valentine (The Animals), Grez Kihn, Tony Hicks (The
Hollies), Bill Wyman (Rolling Stones)